Однажды Ингмар Бергман, режиссер, сказал: «Кино — это лицо, которое мы показываем миру, но также и зеркало, в которое мы смотримся». Эта цитата раскрывает, что фильмы — это авторские высказывания режиссеров. Порой то, что они хотели сказать, находится не на поверхности. Секреты спрятаны в монтажных решениях, звуке, иногда даже постановке предметов.
Возможно, вы думаете, что для понимания кино нужно быть академическим киноведом, иметь высшее образование и работать в этой сфере очень много лет. На самом деле, порог не такой высокий. Мы поделимся советами, которые помогут вам по-новому смотреть любимое кино и узнавать, что прячется за голубым экраном.
Критическое мышление — наше все. Ключ к развитию критического мышления — вопросы самому себе. В киноискусстве все работает точно так же:. Задавайте себе вопрос: почему это снято именно так? Почему в этой сцене так много синего цвета? Зачем камера так далеко от главного героя? Возможный ответ на эти примеры: попытка показать потерянность, отрешенность и одиночество персонажа.
Выберите, на что смотреть: на освещение, музыку, движение камеры или монтаж. Например, обратите внимание, как меняется цветовая гамма при смене настроения героя. Если вы только начинаете, то анализируете один элемент за раз, а не все сразу, иначе рискуете запутаться.
Можно пересмотреть то, что хорошо знаете, и обдумать, почему это нравится именно вам. Очень важно не опираться на чужие анализы и рецензии, чтобы выработать свою точку зрения и видение. Так на чем надо акцентировать внимание? Вот пошаговый план:
— освещение (как освещен кадр);
— обстановка (местоположение и декор);
— реквизит (предметы, существенные для истории);
— костюмы и грим;
— движение и размещение актеров в кадре.
Все это в совокупности образует мизансцену. Ольга Купцова, историк театра и драматургии дала следующее определение на открытых лекциях в Европейском институте:
«Лишь сейчас я вижу свет»: как используют цвет и свет в кино
М.И. Котова в научной статье «Функции освещения на экране» отмечает:
свет — не только «фактор видимости» предметов, не только тональная среда, но и блик на лице актера, блеск его глаз, настроение. Художники с давних времен интересовались природой света и характером освещения.
1. Заполняющий свет равномерно заполняет все пространство, создавая бестеневое освещение рассеянным, лучше отраженным, светом. Для уменьшения теней прожекторы ставят рядом с камерой.
2. Рисующий свет направляется на главный объект, чаще всего человека, создавая на лице светотень. В этом случае лучший результат дает линзовый прожектор.
3. Моделирующий свет создает блики и рефлексы на теневых участках лица и предмета.
4. Контровой свет получается при освещении фигуры сзади; он создает световой контур, ореол, живописные пятна света на фигуре.
5. Фоновой свет определяет живописность фона, оставляя его темным или освещая.
Нижняя подсветка часто вызывает ощущение тревоги и используется для визуализации отрицательного персонажа. Яркий пример манипуляции светом можно увидеть в фильме «Джокер» (2019): вначале герой пребывает в одиночестве и депрессии, медленно поднимается по темной лестнице, погруженный в полутьму. По мере развития сюжета, обретая уверенность и свободу самовыражения, персонаж исполняет танец на той же лестнице, залитой ярким солнечным светом.
Цвет играет ключевую роль в кинематографе, влияя на восприятие зрителей и направляя сюжет. Как утверждает Познин В.Ф., режиссеры используют определенные цветовые палитры (например, комплементарные, триадные или монохромные гаммы) для подчеркивания эмоций персонажей, создания особой атмосферы или даже разграничения миров.
Красный цвет обладает самой сильной эмоциональной нагрузкой и двойственностью. Он ассоциируется одновременно с любовью и страстью («Платье Джессики Рэббит», 1988) и опасностью, агрессией, кровью («Список Шиндлера», 1994). Так, яркий красный оттенок выделяет девочку среди черно-белого окружения, подчеркивая трагизм ее судьбы.
Синий — цвет холодного настроения, олицетворяющий одиночество, меланхолию и отстраненность. Его использование помогает создать атмосферу печали и грусти, как в сцене гибели героя сериала «Майор Гром: Игра против правил» (2026), где синий фон усиливает драматичность момента. Зеленый, по кинотеории, считается двусмысленным цветом. С одной стороны, это природа, жизнь и здоровье («Форрест Гамп», 1994), с другой стороны — болезненность, гниение, ядовитость и страх перед неизвестным («Чужой», 1979).
Желтый, как солнышко, символизирует тепло, энергию и радость («Интерстеллар», 2014). Однако в иных обстоятельствах желтые тона вызывают тревогу, отчаяние или сумасшествие — вспомните Федора Михайловича Достоевского!
«Музыка всегда останется с тобой»: как саундтрек влияет на наше восприятие
Как часто мы переслушиваем саундтреки к фильмам? Все потому что звуковое сопровождение имеет огромное значение для кино. Не зря режиссеры приглашают композиторов, которые пишут оригинальный саундтрек для их проектов.
А.А. Мерзлякова рассматривает этот вопрос в статье «Роль музыки в кинематографе»:
Музыкальная составляющая является мощным инструментом выразительности в киноискусстве. Один из ключевых элементов — лейтмотив — это повторяющаяся мелодия, привязанная к определенному герою, месту или ситуации. Благодаря этому приему зритель легко воспринимает и усваивает важную информацию о развитии сюжета и характере персонажей.
Например, знаменитый мотив капитана Джека Воробья из фильмов «Пираты Карибского моря» (2003) моментально узнается фанатами, формируя устойчивые ассоциации. Тема Джека называется «Капитан Джек Воробей» и представляет собой характерный «пьяный вальс», который нерегулярно кружит вокруг ритма, отражая шаткую походку и эксцентричный характер персонажа.
Немаловажную роль играет выбор тембра инструмента, придающего особую окраску звуковому сопровождению. Струнные инструменты, такие как скрипки, альты, виолончели и контрабасы, применяются в кинематографе для усиления эмоционального воздействия. Их уникальный тембр помогает передать широкий спектр ощущений: от скорби и беспокойства до возвышенных переживаний и трагедий. Например, в знаменитой сцене в ванной из фильма «Психо» (1998) Альфреда Хичкока острые, истошные звуки скрипок мастерски передают чувство всепроникающего ужаса.
Динамика звука акцентирует внимание на значимых событиях фильма. Резкое изменение уровня громкости способно вызвать у зрителя сильные переживания: восторг, волнение или тревогу. Отличный пример — легендарная саундтрек-композиция к фильму «Начало» (2010), где смена динамики заставляет аудиторию буквально физически ощущать происходящее на экране.
Режиссеры порой прибегают к необычному способу взаимодействия музыки и зрительного ряда — контрапункту. Контраст между звуком и картинкой рождает комичную ситуацию. В сцене отдыха героев Леонида Куравлева и Борислава Брондукова (фильм «Афоня», 1975) звучит абсурдный ансамбль девушек предпенсионного возраста. Они исполняют частушки под похоронные музыкальные инструменты (контрабас, скрипка, баян). Контраст между мрачной музыкой и нелепым текстом («Милый чё, да милый чё, Навалился на плечё. Да я милая ничё, Я влюбился горячё. Не ругайте меня дома, Меня не за что ругать, Моё дело молодое, Мне охота погулять») создает сюрреалистический эффект.
Путь самурая: каким должен быть сюжет в кино
Иногда в рецензиях можно заметить критику в сторону композиции, например, плохо раскрыты линии тех или иных персонажей. Какова вообще структура сюжета?
При написании сочинений на уроках литературы повторяют одну и ту же формулу: вступление, основная часть, заключение. В кино почти так же, но с уточнениями.
Трехчастная структура сюжета появилась благодаря Аристотелю. В труде «Поэтика» философ формулирует трехчастную структуру сюжета, выступающую основой целостного художественного повествования. Она состоит из необходимых компонентов: начала, середины и финала. Согласно концепции, каждый элемент сюжета взаимосвязан логически, каждое последующее событие обусловлено предыдущими действиями.
Такой строй гарантирует целостность действия, плавно проводя историю от начальной стадии через многочисленные повороты и трансформации к финальному разрешению всех конфликтов. Впоследствии эта структура была расширена и переосмыслена:
Разберем структуру через фильм «Человек-паук: Через вселенные» (2018).
Первый акт знакомит зрителя с главным героем Майлзом Моралесом, показывая его школьную жизнь, отношения с отцом и внутренний конфликт — стремление быть самим собой вопреки ожиданиям окружающих. После укуса радиоактивного паука мир Майлза радикально меняется. Вершина первого акта наступает, когда он сталкивается со смертью Питера Паркера и осознает возложенную на него огромную ответственность.
Второй акт представляет борьбу героя с собственными недостатками и сомнениями. Майлз испытывает трудности в освоении новых способностей, сталкиваясь с опытными версиями Человека-паука из параллельных вселенных. Переломный момент наступает, когда Майлз узнает, что он является ошибкой мультивселенной, что бьет по его уверенности сильнее всего. Дальнейшие препятствия ведут героя к точке абсолютного дна, когда его отец оказывается в смертельной опасности, а самого Майлза оставляют связанным и беспомощным.
Третий акт начинается с разговора Майлза с дядей Аароном и отцом, после которого герой окончательно принимает свое предназначение и раскрывает потенциал. Финальная битва с Кингпином знаменует полную трансформацию Майлза, который самостоятельно одерживает победу. Каждый персонаж возвращается в свою вселенную, а Майлз утверждается в роли настоящего Человека-паука, уверенно заявляя в конце: «Я — Человек-паук».
Эта структура работает, потому что последовательно вводит зрителя в конфликт, создает напряжение и разрешает проблему, приводя к катарсису и удовлетворенности аудитории.
Персонажи являются двигателями сюжета, могут перевернуть его с ног на голову. Именно поэтому важно, чтобы они были не картонными статуями, а личностями, с мотивацией, целями, страхами. Не обязательно пересказывать всю родословную до седьмого колена: достаточно показывать их развитие, эволюцию через борьбу с препятствиями, столкновения с антагонистом (который, кстати, должен не быть равным по силам), лишения, приобретения. Все, как завещал Лев Николаевич Толстой:
Также персонажи должны быть понятны простому зрителю: для этого достаточно добавить какую-то житейскую проблему. Фильм «Ирония судьбы» (1975) основан на узнаваемых культурных реалиях советской эпохи: новогодние посиделки с друзьями, поход в баню, типовая городская квартира и атмосфера праздничной ночи. Эта близкая каждому ситуация быстро вовлекает зрителя, поскольку отражает знакомые черты быта и традиций, позволяя почувствовать связь с героями и их историей. Такой подход делает картину особенно привлекательной и понятной широкой аудитории, ведь зрители видят в ней отражение собственной жизни и опыта. Именно все это работает на эмпатию, что важно для понимания кино. Вот что говорит об этом эксперт Варвара:
«Я считаю, что этот навык называется эмпатичность — умение сопереживать героям, чувствовать героев, представлять себя на месте этого героя. То же самое, когда ты читаешь книжку, вникаешь в сюжет и у тебя перед глазами какие-то картинки возникают, которые изображают эмоции главного героя. В фильме уже картинка дается, нужно представлять себя на месте героя, что бы ты чувствовал на его месте. Сопереживание в фильме очень важно, чтобы понять мысли режиссера и что он пытается донести. Когда ты смотришь за развитием сюжета, ты не сможешь понять причинно-следственную связь, пока не почувствуешь главного героя. Подумать, как бы я поступил».
Ингмар Бергман был прав: кино — это и маска, и зеркало. За каждым кадром, за каждым звуком скрывается целая вселенная смыслов, которую режиссер предлагает нам исследовать. Не нужно быть профессиональным критиком, чтобы начать ее читать — достаточно любопытства и готовности задавать вопросы.
В следующий раз, когда будете смотреть фильм, попробуйте ненадолго отвлечься от сюжета. Присмотритесь к тому, как падает свет, окрашивая сцену в надежду или тревогу. Прислушайтесь к музыке, которая нашептывает то, что не говорят герои. Обратите внимание на то, как цвет костюма или пустой стул в кадре могут рассказать целую историю. Кинематограф — это диалог, и чем активнее мы в нем участвуем, тем больше открываем. Откройте для себя кино заново и полюбите его снова.
На обложке: «Джокер», 2019
